Аспекты творческой съемки .

В последнее время, с развитием технологий и увеличения спектра предоставляемых услуг, очень сильно возрос интерес к фотографии. Нажал на кнопку, отнес в ближайший пункт приема и через день два получил готовые изображения. И это не так плохо. Человек сам может фиксировать лучшие моменты своей жизни, делиться ими со своими близкими и друзьями. Но со временем у многих людей возникает желание поделиться своими достижениями со всем миром, благо техника позволяет – интернет опутал своей паутиной всю планету. Появилось множество фотогалерей, фотосайтов. Соответственно появилась необходимость классификации и оценки работ. Появились новички, мастера, эксперты, гуру. Появились лидеры, которые задают направления, эталоны. Вспомнили редко используемое ранее понятие “художественная фотография”…
Вопрос, который мне хочется осмыслить в этой статье, или хотя бы попытаться, – что же такое художественная фотография? Какие приемы и черты ей присущи? Какую фотографию можно причислить к произведению искусства?
Вопрос даже не в тех работах, которые на 99% заполнили Интернет – это отдельный разговор. Вопрос в самом определении художественного фото.

Итак, что нам говорит о художественной фотографии “Советский энциклопедический словарь”?

Фотография – теория и методы получения видимого изображения объектов на светочувствительных фотографических материалах. Различают Ф. черно – белую и цветную, художественную и научно – техническую…

Все! Фотография – это метод получения изображения на бумаге. Ну черно – белая и цветная – это понятно. Научно – техническая тоже понятно. Подтверждение испытаний, увеличение для наглядности… А художественная… Кто и как определяет художественное это конкретное фото или нет. На каких основаниях, по каким признакам?

В интернете я наткнулся на интересное определение художественной фотографии, данное редактором журнала “Вестник фотографии” А. Донде: “Художественная светопись имеет целью создание при помощи методов фотографии художественных картин. Художественным же снимком мы бы назвали такой, в котором - и это самое главное - ясно виден был бы замысел автора, выявлены были его идея, его переживания, его отношение к сюжету съемки. Поэтому художественный отпечаток должен выделять главное и подавлять подробности; в этом будет его художественность внутренняя. Внешняя должна заключаться в красивом распределении масс, пятен света и тени, в целесообразном выборе позитивного материала, цвета и монтировки, соответствующих идее работы и замыслу автора. Главный козырь фотографии - сходство полное, “фотографическое” сходство - в художественной фотографии имеет значение второстепенное”.

По этому определению фотография – это просто новый метод создания картин. И это определение было абсолютно справедливо для своего времени (начало 20 в.), когда фотографы пытались подражать и имитировать техники написания пейзажей, портретов, натюрмортов.
С точки зрения настоящего, когда фотография уже имеет свою более, чем 100 летнюю историю, когда появились новые направления и стили, когда фотографы снимают то, что художник никогда не додумался бы изобразить на своих полотнах, понятию “художественная фотография” надо либо расширять рамки, либо заменять его на “творческая фотография”. Но при этом, все законы и правила, которые перешли из живописи в фотографию будут актуальны и для “творческой” фотографии.

Итак, что же это за законы? Чтобы ответить на эти вопросы, давайте обратимся к живописи. Не секрет, что фотография много взяла из этого вида искусства. Но даже в изобразительных искусствах, выполнение этих правил не ставило художников в разряд гениев. Взгляд неискушенного зрителя вряд ли способен выделить достоинства шедевров. Человек просто скажет – эта мне нравится, а эта нет. Или тоже нравится но меньше. Но этот зритель не способен объяснить, почему эта работа является шедевром, а та нет. Искусствоведы же, не только разбирают картины по штрихам, но и способны по стилю письма с большей или меньшей точностью назвать автора.

Хочется ввести несколько ограничений, на данный обзор.

1. Рассматриваем произведения европейской и русской живописи с эпохи Возрождения до наших дней;
2. Рассматриваем работы только реалистичного направления. Импрессионисты и им подобные, остаются в стороне.

 

 

Итак, рассмотрим очевидные приемы в живописи, благодаря которым работа может быть отнесена к шедеврам.

1. Пропорции и перспективы.
Действительно, не каждый человек, и даже художник, способен с высокой точностью изобразить человека, животное, птиц, растительность. Хотя пропорции, по крайней мере, человеческого тела были выведены давно, еще древнегреческими скульпторами: … в фигуре обнаженной женщины  одинаково расстояние между грудями, от груди до пупка и от пупка до межножья. Эта схема бережно соблюдается во всех статуях классической эпохи… (1)

Не секрет, что большинство поз, сюжетов, идей эпохи Возрождения было навеяно искусством древней Греции. Но подход художника и скульптора существенно отличаются. Для скульптуры перспектива не актуальна – она вырубается из камня в натуральную величину и занимает относительно небольшое пространство. У нее нет переднего и дальнего плана. Она или близко или далеко.

В картине, помимо переднего плана, может быть еще и средний, и дальний. Разделение планов возможно за счет использования законов перспективы. Создателями законов перспективы считаются архитекторы эпохи Возрождения Филиппо Брунеллески и Леон Баттиста Альберти. Они первыми отметили несоответствие рисунка, выполняемого по истинным размерам, реальным конструкциям. Использование камеры абскура позволило выявить закономерность, что дальние объекты выглядят меньше по размеру.

Впоследствии эти законы стали широко использоваться в живописи. Появилась тональная (воздушная) перспектива – объекты вдали менее контрастны. На рисунках 1-3 тональная перспектива видна очень хорошо. Линейная – не очевидна, поскольку нет равномерных объектов на переднем и заднем планах. Из опыта известно, что горы, деревья большие – а они изображены маленькими – значит далеко.

 

 

2. Цветовое решение.
Цветовое конструирование является сложной задачей, которую художник должен решить в процессе создания произведения. Остановлюсь лишь на нескольких примерах.

Картины «Буря в Ледовитом океане» и «Девятый вал» (Рисунки 4 и 5) художник выполнил в гармоничных тонах – один в холодных (рисунок 4), другой в теплых (рисунок 5). С точки зрения воздействия, работы одинаковы, на сколько это возможно в двух работах одного и того же художника. Но если от рисунка 4 просто веет холодом Ледовитого океана,  то рисунок 5 пропитан зноем тропиков.

На рисунке 6 цветовая картина построена на равновесии основного (желтый - коричневый) и дополнительного (фиолетовый) цветов. Но далеко не всегда художники стремятся к цветовому равновесию. Если художник работает над портретом и фигура только одна, он может не уравновешивать цвета одежд, чтобы привлечь к фигуре внимание.

 

 

Достаточно часто цветовые решения основываются на контрасте: цветовом, светлом – темном, холодном теплом и др.
На рисунке 7 автор использует контраст светлый – темный. Темный провал арки – красный плащ – белая сорочка – взгляд зрителя подводится к лицу Весталки. Коричневая арка создает окружающее пространство. Картина построена в гармоничных, теплых тонах. На рисунке 8 используется контраст теплый (желто – коричневое поле) – холодный (серо – голубое небо).
Цветовых схем может быть много, но в любом случае должно обеспечиваться равновесие цветовых масс относительно центра картины.

3. Использование светотеневого рисунка.
Одним из первых, кто стал использовать светотеневой рисунок был Рембрандт Ван Рейн. До него тени использовали только для придания объема предметам, не особо задумываясь над положением источника освещения. Рембрандт же жестко привязал источник света к теням от объектов на картине. С помощью теней создавался не только объем изображаемых предметов, но и достигалась реалистичность изображения (Рисунок 9).

 

 

 

4. Композиция картины.
Композиция любого произведения является самой сложной задачей. Она должна обеспечить взаимосвязь объектов между собой, управлять направлением взглядов, подводить взгляд зрителя к смысловому (композиционному) центру произведения, раскрывать его смысл, а может и сюжет.

В «Охоте на кабана» (Рисунок 10) основной персонаж сразу не виден. Рубенс подводит к нему взгляд, используя многочисленные указатели.

Франсуа Буше в пейзажах использует круговую композицию (Рисунок 11). Наклон деревьев, облака, изгиб дороги… Все это водит зрителя по пространству картины, периодически подводя к ключевым фигурам и не давая уйти.

Как вариант, взгляд может двигаться по вертикальным и горизонтальным направлениям (Рисунок 12).

 

 

5. Динамика.
Динамизм и напряженность работы также частично определяется композицией. Расположение объектов или направления взгляда по диагонали, использование указателей, направляющих взгляды по периметру остроугольных фигур. Показательными являются работы на рисунках 4, 5, 10. При этом сюжетная часть при создании динамизма играет не меньшую, а может даже большую  роль.

Кроме этого существовали различные авторские приемы, заключающиеся в сочетании определенных цветов, характере мазка кисти и т.д.

 

 

Что же из всего перечисленного можно использовать в фотографии? Как тот или иной прием влияет на конечный результат?

1. Пропорции и перспективы.
Очевидно, что в силу специфики, документальность и сверхвысокая детализация являются характерными особенностями фотографии. И точно так же перспектива – объекты вблизи будут большими, вдали – маленькими. Казалось бы этот пункт автоматически будет на хорошем уровне. Однако это не совсем так.

Техническая сторона вопроса.
В фотографии создание изображения доверено механизму. Чем он точнее и сложнее, тем больше изображение будет соответствовать реальности. Но параметры, с которыми будет работать этот механизм – выбирает фотограф.

Вы собираетесь снимать портрет объективом с фокусным расстоянием 16 мм, фотоаппарат Вам возражать не станет. Он отработает заданный режим. А портрет получится с сильными искажениями.
Вы собираетесь снимать пейзаж в контровом свете, без использования градиентных фильтров. Опять же, фотоаппарат выберет средневзвешенную экспозицию и сделает снимок. Но тени на этом снимке будут очень темными, а небо – белым.
Вы собираетесь снимать снежный пейзаж в автоматическом режиме, где темных предметов почти нет. И опять фотоаппарат говорит Вам “Ок”, и Вы получаете средне серый снимок…

Это говорит о том, что не смотря на технический прогресс фотограф обязан, подобно художнику, досконально знать свой инструмент. Особенности объективов, экспонометрии. Это самая простая часть того, что нужно знать.

Творческая сторона вопроса.
Несмотря на то, что фотоаппарат фиксирует с большой точностью предметы как на близком расстоянии, так и на далеком. Тем не менее, как уже говорилось, и пропорции, и перспектива могут быть нарушены. И если искажений можно избежать используя дорогие качественные широкоугольные объективы (у меня, например Canon 17 – 40 L) или бюджетные, но с фокусным расстоянием от 50 мм и выше, то перспективу придется искать через видоискатель.

Как уже говорилось, линейная перспектива создается равномерными объектами на разном удалении. Размер объекта уменьшается, значит он дальше (знаем по опыту), и соответственно на фотографии появляется глубина. Самый примитивный вариант линейной перспективы – столбы вдоль дороги или шпалы на уходящих вдаль рельсах.

С воздушной перспективой сложнее. Если расстояния между передним планом и дальним относительно невелика, то снижения контраста отдаленных предметов может не наблюдаться. Технически это можно исправить использованием градиентного матового фильтра, но стоит ли это делать.
Очень часто, поднявшись на высокую точку, люди бывают очарованы открывшимся видом. Хватают фотоаппарат, щелк, щелк, щелк… А потом показывают плоские картинки своим знакомым. Но глубины на фото нет. Очень важно при съемке помнить о ПЕРЕДНЕМ ПЛАНЕ. Если его нет, можно с большой вероятностью сказать, что фото будет плоским. Даже если глубину создадут средний и дальний планы – это будет не более 1/3 возможной глубины. Один фотограф – пейзажист специально возил с собой несколько сорванных веточек, чтобы при съемке поместить их в какой – нибудь уголок кадра. Зритель увидит крупные листья, сравнит их с деревьями вдали и получит иллюзию глубины. Это косвенный метод создания линейной перспективы. Очевидно, что сочетание воздушной и линейной перспективы усиливает полученный результат.

 

 

Две фотографии (рисунок 13 и 14) были сделаны с одной точки. В одном случае с передним планом, во втором без него. На первой фотографии виден простор. На второй город выглядит плоско. В данном случае не играет значения, какая фотография выглядит лучше. Просто в одной есть перспектива, а во второй нет.

Вывод.
Освоить в фотографии грамотное применение правил пропорций (в отличие от живописи) и перспектив дело не очень сложное. Да, эти приемы, пришедшие из живописи, можно и нужно использовать при объектных съемках и съемках на открытых пространствах. Пропорции обеспечиваются правильным выбором объектива и расстояния до объекта. Для создания перспективы ищется подходящая точка съемки или используются технические приемы.

2. Цветовое решение.
С технической точки зрения никаких препятствий для цветной фотографии нет. А вот с творческой стороны все гораздо сложнее.
Фотограф не только должен в совершенстве овладеть теорией цвета, но и ухитриться расположить объекты с необходимыми цветами в нужных областях кадра. В большинстве случаев эта задача практически не выполнима.

Фотограф может управлять цветом в пространстве только при съемке натюрмортов или постановочных студийных сцен. Да и то, в отличие от художника, не может управлять оттенками цвета – какой есть реквизит, такой и используется. А сделать вот этот шарфик чуточку краснее, чуточку светлее не получится.

Во всех остальных случаях приходится надеяться только на удачу. Как фотограф снимающий на улице может управлять цветом? (вариант, когда фотограф начальник воинской части и может заставить солдат покрасить деревья, скажем в синий цвет, а дорожки в красный – не рассматриваем) Разноцветные одежды людей, архитектурные решения, время года… И даже погода. Время между съемкой двух фотографий (рисунки 17 и 18) составляло 1 минуту. Солнце, вышедшее из – за туч, существенно оживило цвета.

 

 

Хочется сделать маленькое отступление. Мне возразят: как же так? Я вчера ходил по улицам, фотографировал. И из 100 кадров, только на 5, где – нибудь в уголочке, мешается ярко красный (синий, светлый и т.д.) мусор. А все остальное просто замечательно. Но тут не Вы управляете цветом. Тут поработали архитекторы, время, природа. Вы привыкли к этому. Уберите цвет – и восприятие Ваших работ не изменится. А может станет лучше.

Под управлением цвета я понимаю такое сочетание, при котором в произведении появляются дополнительные факторы, действующие на зрителя. Попробуйте сделать снимок настроение в какой либо тональности. В большинстве случаев в кадре окажется или человек в неподходящей одежде, или машина, или мусор…

Появление мощных графических редакторов позволяет решить эту задачу. И в принципе к обработке, на мой взгляд, надо относится спокойно. Если человек пытается сделать произведение искусства, не претендующее на 100% документальность, почему его должно что то останавливать на пути к достижению цели?
Как вариант – очень долгое время, да и сейчас, фотографы уходят от цвета. Снимают на черно – белую пленку или обесцвечивают цифровые изображения. Это оправдано, если фотография не построена на цвете и цвет больше мешает восприятию, чем помогает.

Вывод.
По этому параметру фотография существенно проигрывает живописи. Задача управления цветом в фотографии решается частично в ограниченном количестве жанров. В остальном большинстве цвет управлению не подлежит. И его использование определяется автором.

3. Использование свето – теневого рисунка.
В отличие от живописи, светотеневой рисунок – это основа фотографии, ее природа. Сейчас не будем говорить об отражающей способности разных предметов. С.т. рисунок используется всегда и везде, вопрос заключается только в том, насколько грамотно.
Как уже упоминалось, ранее в живописи тень использовалась для придания телам объема, но характер освещения и его направление не учитывались. В фотографии такое невозможно. Если есть один источник света, то все точки поверхности, с которых он виден, будут освещены; с которых не виден – будут в тени. Если человек прикрывает лицо от Солнца рукой – лицо будет в тени, как бы фотограф не хотел обратного.

И все же работать со с.т. рисунком значительно проще, чем с цветом. Им можно управлять в студии. На улице можно использовать отражатели, полупрозрачные навесы. Делать графичные сюжеты в конце концов. Но это все частности.
В зависимости от замысла автора с .т. рисунок может выполнять разные функции.

При съемке портрета – создавать объем лица и фигуры (хотя справедливости ради хочется отметить, что коммерческие фотографы в большинстве случаев снимают портреты с неглубокими тенями). Жесткий свет (маленький источник) – подчеркнет морщины у старичка, а мягкий (большой источник) скроет дефекты кожи, а может и тела у молодой девушки.
При съемке архитектуры, правильно выбранное время (читай положение источника света), позволяет подчеркнуть особенности того или иного фасада, его объемные части.
При жанровых съемках игра теней вообще может стать смысловым центром фотографии.

Вывод.
Использование светотеневого рисунка в фотографии является неотъемлемым свойством фотографии. Грамотное его использование может стать мощным инструментом при создании творческих произведений.

4. Композиция.
Композиция – одно из самых сложных понятий в искусстве. Каждый трактует его по своему. С одной стороны это компоновка объектов на поле произведения, для их максимального взаимодействия между собой. Это понятно, когда одна фигура прямо указывает на другую. А как быть с направлением взглядов, подобием фигур или объектов. Их равной освещенности или динамики.
Итак, что же такое композиция и какие определения ей дают.

В архитектуре – умение вписывать линии в небо;
В живописи – борьба холодных и теплых цветов;
Композиция – счастливое расположение предметов;
Композиция – соединение, сочетание, единение; (2)

Композиция – это сочетание точки зрения, плана, ракурса, перспективы, фактуры, тона, света, цвета и других выразительных средств фотографии;(3)

Композиция – иерархическая система отношений между изобразительными элементами фотографии: линиями, углами, плоскостями, цветовыми и тональными формами. В зрительном восприятии эти отношения абстрактных сущностей проецируются на репрезентируемый фотографией мир, что приводит к перераспределению отношений между объектами видимого мира (TinkyFoo [Макс]);
Композиция — это собственная, независимая от изображаемого жизнь изображения, внутренний диалог, который ведут отдельные компоненты, диалог неслышный и не для всех видимый (Anton Vershovski);
Композиция – иерархическая система отношений между изобразительными элементами фотографии (Vlad S);
Композиция - это сухая схема расположения объектов и их ВНУТРЕННЕГО взаимодействия без учета свойств этих объектов (TinkyFoo [Макс]);
Композиция, как и грамматика - это некая сетка, каркас, не несущий в себе содержания, только конструкцию. Но благодаря ему любое содержание прекрасно читается (psycheja);
Композиция это совокупность всех выразительных средств участвующих, вольно или невольно, в построении кадра. Эта совокупность, по разным причинам, может быть удачной или неудачной. Соответствовать замыслу автора или нет (Киса Евлампий Титович);(4)

Как видно из описанных выше мнений, четкого определения композиции не существует. Так же как и не существует четких правил по ее выполнению. Тем не менее она обладает определенными законами:

А) Закон целостности. Структура должна быть неделимой, т.е. из нее ничего нельзя выкинуть и ничего нельзя добавить. Всякая неопределенность в композиции ведет к потере выразительности.
Б) Закон соподчинения – что – то является главным (композиционным центром), что – то подчиненным.
В) Закон трехкомпонентности. Компоненты нужно делить на группы: высокие – средние – низкие; широкие – средние – узкие; светлые – среднесерые – темные; и т.д. Средние компоненты являются связующим звеном.
Г) Закон масштабного согласования. Не нужно брать такие полюса, которые не осознаются мозгом, т.е. слишком большое или слишком маленькое.

Наличие множества определений и собственных законов, может предполагать, что композиция это какая то гибкая структура, предназначенная для связи объектов на поле кадра. В результате опять таки получилось размытое определение. Но не будем на него опираться. Пусть композиция будет тем коэффициентом поправки, которым любят пользоваться студенты, когда подгоняют получившийся результат к правильному.

Возьмем к примеру большого белого слона слева, серого дрессировщика посередине и черную маленькую мышку справа. Получилась композиция весы – большой слон слева не может перевесить маленькую мышку справа потому что он белый, а мышка черная. Дрессировщик – связующее звено – весы. Большая масса тяжелая, черный цвет тяжелый. Белый цвет легкий, маленькая масса легкая. Композиция увязала между собой единицы разных измерений. Ни одна жестко упорядоченная структура на это не способна.
А как композиция справится, если слон черный, а мышь белая? Да элементарно. Уравновесит. Кадр перевернется на 90 градусов. Слон окажется снизу, мышь сверху.

Причем композиция живописной картины может себе позволить быть более жесткой. Художник может потратить достаточно большое время на ее выверение. А фотографу, в силу моментальности фотографии, это недоступно.

Опять же, в силу моментальности фотографии, есть гораздо больше возможности для экспериментов. Какой художник захочет рисовать пустые смятые банки из под пепси. Он не может потратить неделю своего труда, не зная, как к этому отнесется зритель. А фотограф запросто. Либо пойдет, либо нет. Но сами затраты по времени на отображение задуманного несопоставимы.

Развитие новых направлений в фотографии должно либо должно подстраиваться под существующие законы композиции, либо создавать новые.

Вывод.
В фотографии композиция также важна, как и в живописи. Но в силу моментальности фотографии, фотокомпозиция более пластична и не такая строгая. Она позволяет объединять объекты и их свойства связями, которые в живописи используются редко.

5. Динамика.
Так же как и в живописи динамика фотографии зависит от композиции, компоновки. Используются те же самые приемы. Дополнительно движение можно показать, снимая на длительных выдержках движущиеся объекты.

Вывод.
Динамика в фотографии и средства ее достижения во многом похожи на методы, используемые в живописи.

 

 

Итак, мы рассмотрели, в грубом приближении, методы которые используются в живописи и в фотографии. Получается, что для живописи наиболее выразительными методами являются: “Пропорции – Цвет – Композиция”. Для фотографии – “Светотеневой рисунок – Композиция”. Это не значит, что про другие методы надо просто забыть. Ни в коем случае! Если Вы их знаете, а еще лучше, умеете применять – это только в плюс. Я только хочу сказать, что с.т. рисунок и композицию, в отличие от других методов, нельзя полностью убрать. Получится однотонный прямоугольник.

Вернемся к начальному вопросу этого изложения. А в чем же тогда будет проявляться творчество? Какую фотографию можно назвать творческой или художественной? В каких жанрах талант и мастерство фотографа играет большую роль, а в каких меньшую?

 

Пейзаж.

Единственно, что есть общего между художником и фотографом, работающих в жанре “Пейзаж” – это поиск ракурса, т.е. места, с которого художник будет рисовать или точки съемки для фотографа. Если художник или фотограф не грамотны – точка будет выбрана неудачно. Правда нельзя исключать его величество случай – все может быть. На этом сходство заканчивается.

Дальше художник использует все свои навыки и опыт для создания произведения. Понятно, что чем опытнее художник, тем лучше получится картина. При этом художник свободен менять оттенки цветов, увеличивать или уменьшать динамику картины за счет цвета, природных явлений, таких как ветер, дождь… Он свободен убрать мешающие предметы – предметы деятельности человека, мусор и прочее или менять пропорции отдельных объектов. В итоге получается картина соответствующая замыслу художника и уровню его мастерства.

Фотографу, после выбора точки съемки нужно только нажать на кнопку фотоаппарата. А перед этим, по возможности, убрать мусор, попадающий в кадр и нежелательные объекты. Он не может заставить ветер дуть сильнее или слабее, изменить освещенность. Но опять же, в силу специфики фотографии, в случае идеального совпадения всех условий, новичок может снять шедевр. Такое в живописи невозможно. Но также невозможно ожидать от начинающего фотографа стабильности в качестве его фотографий. Да и от опытного фотографа тоже – ведь идеальные условия – дело случая. Безусловно он придет в нужное время, когда Солнце будет находиться в нужной точке. Он будет приходить до тех пор, пока вместе с Солнцем не будет дуть ветер. Он будет ждать нужного ему облачка в левом верхнем углу. Или напечатает его с другого негатива. В итоге получится работа с уровнем выше среднего. Но сколько сил и времени на нее будет потрачено.

Но все равно роль фотографа в пейзажной съемке, в большинстве случаев, скромнее работы художника. Его работу можно назвать художественной, поскольку фотограф смог отразить красоту природы, передать настроение дня. Но творческая составляющая здесь не велика.

Именно поэтому большинство людей начинают с фотографирования пейзажей, а потом переступив какой – то уровень, начинают относиться к этому жанру пренебрежительно. Ведь для того чтобы снять шедевр нужно будет не раз обойти немало красивых мест. И по возможности таких, куда не ступала нога человека (ну по крайней мере фотографа).

 

 

Путешествуя на лодках по озеру Вуокса (Карельский перешеек) мне удалось сделать фотографию (рисунок 18) , которая очень прочно ассоциируется с картиной В. Васнецова “Аленушка” (рисунок 17). Только Аленки на ней нет. Промокла Аленушка под проливными дождями и ушла домой.

 

 

На широких просторах, таких как бескрайние поля или водные просторы, фотографии очень похожи на картины. Тот же берег, тот же горизонт, Солнце, дорожка на воде и буйство закатных красок (рисунки 19 и 20).

 

 

Иногда удачное стечение обстоятельств позволяет отразить на фотографии недовольство природы. Особенно это заметно перед грозой, когда ветер гонит тяжелые тучи, сгибает кроны больших деревьев. Воздух насыщен влагой и цвета выглядят неестественно насыщенными (рисунки 21 и 22). Несмотря на красоту места, я около получаса крутился на лодке, выбирая лучший ракурс. Мою задачу осложняло сильное течение и после 2 – 3снимков приходилось снова браться за весла.

 

 

И эта фотография  (рисунок 23) тоже сделана случайно. Мы уже легли на обратный курс и причалили к островку передохнуть. В этот момент сквозь тучи пробился солнечный луч. Благо фотоаппарат всегда находился под рукой.

 

 

Портрет.

То, что написано про художника и фотографа при съемке пейзажа справедливо и для портрета. Только автор не ищет точку съемки, а ставит модель в нужное положение. Опять же художнику нужен весь его опыт, чтобы добиться сходства портрета с моделью. И опять у художника есть возможность играть оттенками одежды, красиво уложить складки на платье, расположив их по заданным линиям. Есть у него и возможность играть тенями – где нужно усилить, где нужно ослабить. И уж совсем очевидно, что на картине никак не может получиться “моргунчик”.

Выражение лица на портрете художника соответствует его замыслу и опыту. Некоторые выражения кажутся слегка неестественными, окаменевшими, некоторые грубоватыми – опять же повторюсь – это зависит от опыта художника.

При этом никто не упрекнет художника, если ему не понравится поза тела, положение отдельных частей и он их просто перерисует. Через сутки, неделю, год… Специфика живописи позволяет это сделать. И в любом случае это будет авторская работа, оригинал.

Фотограф находится несколько в других условиях. Чаще всего выражение лица модели зависит от самой модели. Если модель опытная, она сама знает свои выигрышные ракурсы. Это не совсем профессиональный подход, потому что замысел фотографа не должен ориентироваться на эти ракурсы модели, но он должен по максимуму их использовать.

Преимущество фотографа заключается еще и в том, что в силу моментальности фотографии, он может запечатлеть промежуточные эмоции.

Позволю себе небольшое отступление. Не секрет, что на лице находится большое количество мышц, управляющих мимикой. Незначительное напряжение этих мышц – и выражение меняется. Есть красивые модели – классические или модные пропорции лица, тела. А есть привлекательные. Вроде бы не красавица, так себе, но лицо получается очень доброе, приветливое. И это привлекает. Это как раз и зависит от мышц лица. Психологи давно заметили этот факт и научились по лицу определять характер человека, его наклонности.
Но вернемся к фотографии. Те выражения лица, которые художник просто физически не может увидеть – только подсознательно отметить, фотоаппарат может четко зафиксировать. Если художник гений – он интуитивно сможет это восстановить и отразить на картине. А фотограф, даже средней квалификации – случайно поймать.

Но в то же самое время фотографу необходимо затратить куда больше времени на выстраивание позы модели, приведения в порядок ее одежды, аксессуаров, студии. И не факт, что после этой проделанной работы модель не моргнет в момент срабатывания затвора. Или не измучается на столько, что в ее взгляде до конца съемки будет читаться: “Ну когда же это закончится?”.

Таким образом, несмотря на схожесть жанра, между фотографией и живописью начинают появляться различия. Если живопись в большем ориентируется на парадныеи жанровые портреты, реже эмоциональные, то в творческой фотографии начинает больше преобладать психологический портрет. Именно в этом направлении фотография имеет преимущество перед живописью.

До недавнего времени, я считал, что в портрете композиция отсутствует как понятие. Вроде объектная съемка. Какая там взаимосвязь с окружением, однако в последнее время эту мою убежденность поставили под сомнение на форумах “Школы композиции”. И даже более – убедили в обратном. Обстановка не только может подчеркивать модель, но и усиливать ее воздействие на зрителя.

 

 

На рисунке 24 изображен портрет кисти К. Маковского, а на рисунке 25 моя попытка его скопировать. Очевидно, фотография проигрывает. Я ни в коем случае не пытаюсь сравнить свой скромный уровень хобби с мастерством и талантом художника. Палитра красок на картине значительно богаче, направление складок одежд продумано и выверено. Да и модели на картине гораздо удобнее сидеть в реальном кресле, чем модели на фотографии в нарисованном.

 

 

Фотография на рисунке 27 ближе к оригиналу (рисунок 26), по сравнению с предыдущей, но все равно проигрывает в пышности и тональной детализации одежд. Модель на фотографии немного напряжена. Кому то это нравится – сидит с достоинством, кому то нет – расслабленнее надо быть. Но это аспекты фотографии, или если хотите мои ошибки. Я уже писал, что фотоаппарат изображает реальное состояние модели.
Но чтобы еще ближе приблизиться к оригиналу – нужно получать художественное образование, или по крайней мере лучше осваивать 3d max и photoshop.

Так называемые женские головки, написанные в студийных условиях, наиболее по внешнему виду приближены к фотографии, особенно стилизованной под картину. Но творческой составляющей для фотографа мало – формальный портрет (рисунки 28 и 29).

 

 

На рисунках 30 – 32 показаны фотографии в манере парадных портретов. По определению А. Донде их, вероятно, можно отнести к художественной фотографии. По крайней мере и мне и моделям они нравятся.

 

 

На двух следующих фото (рисунки 33, 34) была попытка отразить эмоциональное состояние модели. Насколько это удачно получилось – судить Вам.

 

 

И пару примеров хороших мастеров, к вопросу о композиции в портрете (рисунки 35, 36).

 

 

В заключении краткого сравнения особенностей портрета в живописи и фотографии, хочется отметить еще одно направление – ню. К нему справедливо все, что было написано про портрет. Дополнительно, и это относится, и к живописи, и к фотографии, автор должен показать красоту тела достойно, не пошло. Но это уже отдельная тема.

 

 

При написании этой статьи использовались следующие материалы:

1. Кеннет Кларк. Нагота в искусстве.
2. Мастер класс Уварова В.Д. Фотокомпозиция.
3. Ан. Вартанов. Учись фотографировать. Фотоискусство.
4. Форум группы «Школа композиции» на сайте фотокритик. Тема: "Композиция – что это?"